NARCOLEPSIA

Solo exhibition at Tinta nos Nervos Gallery, Lisbon

MAI 22 - JUN 29 2024

Narcolepsy transports us to the world of dreams and the oneiric, inviting us to explore this frontier between wakefulness and sleep, where the barriers of reality dissolve. The exhibition includes drawings from my sketchbooks, often capturing moments where concentration is more difficult and the drawing flows in an almost automatic manner. Narcolepsy, a neurological condition characterized by episodes of extreme drowsiness and cataplexy, serves as a symbolic resource for when pencils take on a life of their own and dreams invade my visual metaphors unpredictably.

These are narrative fragments that suggest new stories through juxtaposition or mere random connection. The oneiric and the real intertwine in an inextricable way, challenging conventional notions of consciousness and experience. This exhibition includes a collection of drawings, isolated from the sketchbook pages and digitally edited to promote new narrative interpretations. To this collection are added new pencil and wash drawings that propose readings, sometimes alternative, sometimes complementary, where each image tells a story laden with subtext and suggestion.

Nossa Terra exhibition curated by Sam Baron 

Former Atelier of Architect Aires Mateus

MAY 22 - MAY 26

Manuel Aires Mateus

Manuel Aires Mateus is an internationally acclaimed Portuguese architect.  Central to his design philosophy is the exploration of volumes, the creation of visual interplay among different shapes, and meticulous consideration of voids and empty spaces. Notable achievements include representing Portugal at the Venice Biennale in 2010, numerous awards and various exhibitions. Manuel is also an esteemed educator, sharing his expertise at several international universities in Europe and the USA.

Arquivo Aires Mateus is a space that is devoted to exhibitions and special events.

Lisbon Design Week is presenting the exhibition “Nossa Terra”  curated by Sam Baron.

This exhibition brings together a selection of artefacts produced in terracotta in Portugal. Traditionally, and still today, terracotta comes directly from the ground on which we stand. It is therefore a material that defines a territory and, as a result, the skills and techniques associated with this type of production. Terracotta is also an indicator of culture, since its production bears witness to the habits and needs of the regions where it is transformed into everyday objects, artistic pieces, architectral elements...
This ancestral type of ceramic is also very much actual, as it has true eco-responsible characteristics thanks to its local provenance (transport distances are short), low-temperature firing (low energy consumption) and recyclability (all waste is re-injected into the production process).

4ª Bienal de Ilustração de Guimarães

20.out - 31.dez 2024

The BIG – Guimarães Illustration Biennial is an initiative of the Guimarães City Hall and MOTOR - Produção Cultural, Cooperativa de Responsabilidade Limitada, CRL., aiming to dignify the role of illustrators in the cultural development in the fields of publishing, books, magazines, newspapers, posters, classical supports of mass communication media and in the domain of new technologies, together with the reference of Guimarães, as a territory of renowned national and international interest, in the movement of fueling critical mass and creation in the field of illustration.

Exposição Contracapa

Casa da Esquina, Coimbra

14.10.2023 - 14.12.2023

CONTRACAPA

Exposição Individual

16.04.2022 - 11.06.2022
Foyer do Auditorio de Espinho | Academia

Em 2012, por ocasião do 10.º aniversário do site Bodyspace (2002-2020), fui convidado pelo seu mentor André Gomes para interpretar 10 capas de discos iconográficos que marcaram a minha geração. Dez anos depois, o André volta a desafiar-me a convocar uma nova seleção de capas de discos, desta vez vindos do Brasil. A música está sempre presente no meu processo de trabalho e tentar descrevê-la visualmente é um desafio estimulante. A proposta é de diálogo com as capas originais interpretadas à luz do meu imaginário.

Descobrir um disco pela sua capa sempre me fascinou pela forma sinestésica com que relacionamos o som e a imagem. No mundo cada vez mais digitalizado que tende a desvanecer o disco como objeto físico, não descuida a sua ligação com a imagem, sempre de mãos dadas com o som. A música faz-nos viajar no tempo, expandir narrativas, amplificar emoções. Foi com muito entusiasmo que acolhi a proposta do André e aceitei o desafio de inscrever esta nova seleção de discos no meu repertório visual. “Disco é Cultura”.

ILUSTRAÇÃO DA ANGÚSTIA

Exposição Individual
10.9.2021 - 30.9.2021
Fundação Cecilia Zino

Sala de Exposições
Edifício Arcadas do Bettencourt

Funchal, Portugal

an·gús·ti·a 
(latim angustia, -ae, estreiteza, contrariedade, aflição)
nome feminino

1. Estreiteza.

2. Grande aflição acompanhada de opressão e tristeza.

"angústia", in Dicionário Priberam da Língua Portuguesa [em linha], 2008-2021, https://dicionario.priberam.org/ang%C3%BAstia [consultado em 30-08-2021].

A captura do rosto de amigos, ou dos seus mais próximos, tantas vezes realizada em serões tardios na sua amada Porto, exacerbando proporções, mas não as caricaturando, permitem-lhe revelar-se através do interior dos seus representados.

As obras do Júlio Dolbeth recusam o estereótipo da Ilustração demagógica de frases fáceis e soltas. Subverte, mais uma vez aqui, nesta série dedicada à angústia, o cânone deste novo realismo básico, sentimental e demagógico, que procura na sua maioria um olhar irónico e de riso fácil. Escapa assim às armadilhas do realismo social que pretende colocar a arte ao serviço da ideologia. Reafirma antes o seu compromisso com a realidade do problema humano.

A fragilidade e ambiguidade está espelhada na maioria dos seus trabalhos. Não a ambiguidade de quem fica em cima do muro sem assumir uma posição clara, mas a inerente ao estilo, ao modo de representar as suas personagens, de encenar os conflitos interiores seus e de cada uma daquelas.

As suas ilustrações surgem-nos como se todas fizessem parte do mesmo espetáculo, um mesmo jogo vital de vários lances, papeis e protagonistas, em que se perseguem imensas finalidades “sem finalidade final” concebível, exceto a de no-las representar (e, afinal, nos representarmos a nós próprios) como espetáculo.

Nas ilustrações do Dolbeth o fundamental é o homem. Não há plano de fundo - O mundo é o pano de fundo, cenário iluminado pelo clima psicológico das suas personagens. Reduzindo a utilização de cores e simplificando o traço dá aos seus desenhos uma força mítica e primordial. 

Jacques Lacan, dizia que angústia sinaliza a emergência do desejo do Outro, entendido num registro específico, o do real.

A angústia é o afeto que revela a falta de autonomia do sujeito, que se encontra, nesse caso, impedido de responder diante de um Outro cujo querer é enigmático para ele.

Tal como no Grito de Eduard  Munch (1893), estas personagens da série “angustia” do Julio Dolbeth  são representadas com um olhar vazio, inexpressivo porque a angustia não se vê mas representa sempre um grande vazio, um grande cansaço.

Apresenta-nos uma coleção de seis homens capturados como se de uma foto tipo “passe” se tratasse, narrando uma historia sensorial, em que a realidade exterior nos é traduzida e coada pela sensibilidade dos personagens.

È uma historia sensorial angustiante, em que a realidade exterior nos é traduzida e coada pela sensibilidade dos personagens. 

Gentil, como ele é, representa-os a todos com um raio de luz a dar na cara – a esperança.

J. Andrade, 2021

PARTIR

Júlio Dolbeth e Mariana a Miserável
11.12.2020 - 14.1.2021
Galeria Senhora Presidenta
Porto, Portugal

A proposta temática para esta exposição baseia-se na interpretação da técnica ancestral japonesa de reparar cerâmicas partidas, conhecida por Kintsugi. Não só as cerâmicas partidas são reparadas, como é usado pó de ouro ou prata no seu conserto. Esta forma de recuperação - realçando deliberadamente as cicatrizes - prolonga a vida destas peças, imprimindo-lhes valor e reforçando a sua beleza única através do erro ou do acidente. 

Numa época onde o consumismo é privilegiado, o Kintsugi surge como um lugar de contemplação, de afirmação do belo, ancorado na história e nas narrativas possíveis que as peças cerâmicas têm para contar. Interessa-nos criar uma ponte entre o figurado tradicional português, em particular o artesanato da região norte de Portugal, referenciando nomes como Rosa Ramalho e a tradição cerâmica milenar japonesa.

Cada peça é única na forma como cai e se desfaz e cada “colagem” é um registo imprevisível do sucedido, uma surpresa absoluta que tem, simplesmente, de ser aceite como é. Ora, é impossível não tentarmos uma analogia entre esta arte japonesa e a vida humana no geral, no que diz respeito aos processos de aprendizagem: nós, pessoas, somos peças de porcelana, caímos, partimo-nos aos bocadinhos, aproveitamos o que resta, colamos os fragmentos, ficamos com cicatrizes. 

Nesta exposição propomos uma metáfora para a criação de trechos  narrativos: as cerâmicas são ficções, são pessoas, são fragmentos biográficos. Através da lógica da técnica artesanal de recuperação reforçamos ligações e inventamos laços de união a emancipar significados. 

A ambiguidade do título, PARTIR, remete para a fragmentação em cacos, mas também para a viagem: partir como ida, como a procura de um lugar - neste caso um lugar emocional - onde as feridas são sanadas e transformadas em material visual através da ilustração.

Esta exposição não se assume como um ato encerrado mas sim parte integrante do processo para uma residência artística no Japão. Esta residência tem o apoio da Câmara Municipal do Porto através do programa Shuttle - Apoio à internacionalização de artistas do Porto que iria acontecer em Abril deste ano e que foi impossibilitada pela pandemia. 

As peças em cerâmica apresentadas nestas exposição estão a ser trabalhadas desde Outubro de 2019 na Cooperativa Árvore. Além do necessário tempo de experimentação e aprendizagem, parte do processo o envio prévio de algumas peças mal acondicionadas para a galeria Almost Perfect, emTóquio de forma a que partissem pelo caminho. Para esta primeira mostra, as peças estão ainda intactas e podem ser resgatadas do seu destino. A exposição será complementada com alguns desenhos desenvolvidos recentemente com com esperança de que esta residência se complete com a sua componente japonesa.

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SUSPENSO

Exposição Individual
24.10.2020 - 10.01.2021
Sala 3HISCOX
Lugar do Desenho, Fundação Júlio Resende
Valbom, Portugal

Durante o confinamento de Março procurei criar rotinas de desenho, um ritmo de trabalho que me resgatasse da inércia criativa e da adaptação às novas formas de trabalhos que absorviam grande parte do meu tempo.
Os desenhos surgiam da observação, daquilo que via da minha janela ou do interior de casa. A janela tanto física como virtual.
A exposição enquadra uma série desenhos digitais que compõem fragmentos narrativos que se complementam entre si, que contam várias histórias ou uma só história, dependendo da forma como os articulamos.

Limito o registo à simplicidade do traço, à redução das cores, à amplitude do espaço. Não há plano de fundo, as imagens simulam ficções isoladas numa plano de cor, flutuam, não se agarram ao plano, estão suspensas.
Dei-lhe o título "Suspenso" a esta seleção de desenhos de uma séria mais alargada. Na sua totalidade, partem todos da ideia de errância, da procura da poesia nos gestos banais, nos objetos singulares. A metáfora "Suspenso" está relacionada com o momento de transição entre uma coisa e outra. Momentos de espera, momentos mortos, não planeados, podem demorar uns minutos ou uma eternidade, podem ter música ou apenas o silêncio.

A expectativa de chegar alguém, de chegar o momento, de chegarmos ao destino. São momentos não planeados onde o processo é a deriva.